Tutorials / Instructions

Watercolour painting is a very versatile form of expression but it does require some experimentation to see how water, paint and paper react with one another. Some artists make extensive use of specific techniques like 'wet-in-wet' or 'drybrush' when they compose their paintings. However, in developing their own style, each artist may rely on many or few such techniques. The following articles provide some step-by-step instructions on how I went about painting a series of watercolour images. I hope that you find them useful.

La peinture en aquarelle est une forme d'expression très souple, mais elle nécessite un peu d'expérimentation pour voir comment l'eau, de la peinture et du papier réagissent les uns avec les autres. Certains artistes font un usage intensif des techniques spécifiques comme «le brossage» ou «l'humide sur humide» lorsqu'ils composent leurs peintures. Toutefois, dans le développement de leur propre style, chaque artiste peut s'appuyer sur beaucoup ou peu de ces techniques. Les articles suivants fournissent des instructions étape-par-étape sur la façon dont j'ai composé une série d'images à l'aquarelle. J'espère que vous les trouveriez utiles. 

Heron searching in a pond / Un héron qui cherche dans un étang

The small painting that I made here was inspired by a heron that I noticed while bicycling past a pond. Theoretically, I could have stopped and started sketching on site, but chances are that the bird would have taken flight before I even pulled out my sketchbook. This is one reason why I like to take reference photos to use in creating paintings. I also like using reference photos when I'm pressed for time or when the weather is uncooperative (for example when its -20 C outside) or when there are several scenes that I'd be interested in painting. When ideal conditions present themselves, I may start to sketch in pencil on site and then complete the composition later from photos in the comfort of my home.

Le petit tableau que j'ai fait ici a été inspiré par un héron que j'ai remarqué tandis que j'étais en vélo devant un étang. Théoriquement, je pourrais avoir arrêté et commencé à dessiner sur le site, mais les chances sont que l'oiseau aurait pris la fuite avant même j'ai sorti mon carnet de croquis. C'est une des raisons pourquoi j'aime prendre des photos de référence à utiliser pour créer des tableaux. J'aime aussi l'aide de photos de référence quand je suis pressé par le temps ou quand le temps est peu coopératif (par exemple lorsqu'il est -20 ° C à l'extérieur) ou quand il y a plusieurs scènes que je serais intéressé à la peinturer. Lorsque les conditions idéales se présentent, je peux commencer à esquisser au crayon sur le site et ensuite compléter la composition plus tard à partir de photos dans le confort de ma maison.

 

In most cases I like to create paintings of scenes that I've discovered as soon as possible after the event. I find that I'm more inspired and can remember details that I may otherwise forget as time goes on. In this case, I started a light pencil sketch the next day and began to ink it with my Lamy Safari fountain pen using Noodler's Lexington grey ink. I like the Lamy pen because it's very reliable and sturdy - no messy surprises; and I like Noodler's Lexington grey ink because it's not as imposing as a black line and it's absolutely waterproof. Before I put pencil to paper, I also reflect on the composition - the size and orientation of the picture, the details which could be omitted and the ones that should be highlighted, etc. Its partly a question of how far I might want to simplify things - either for artistic reasons or due to the time that I want to spend on a painting. 

Dans la plupart des cas, j'aime créer des peintures de scènes que j'ai découvert dès que possible après l'événement. Je trouve que je suis plus inspiré et je me souviens des détails que je peux sinon oublier que le temps passe. Dans ce cas, j'ai commencé un croquis au crayon le lendemain et ensuite j'ai commencé de le dessiner à l'encre avec mon stylo Lamy Safari en utilisant Lexington encre grise de Noodler. J'aime le stylo Lamy, car il est très fiable et robuste - pas de surprises salissantes; et j'aime l'encre gris Lexington de Noodlers parce qu'il n'est pas aussi imposante que une ligne noire et il est absolument imperméable. Avant de mettre un crayon à papier, je réfléchis aussi sur la composition - la taille et l'orientation de l'image, les détails qui pourraient être omis et ceux qui méritent d'être soulignées, etc. C'est partie une question de savoir jusqu'où je pourrais vouloir simplifier des choses - soit pour des raisons artistiques ou en raison du temps que je veux passer sur un tableau.


  

While I'm inking the image, I also imagine how I'll be adding additional detail later with the watercolour paint. This may lead me to leave certain sections of the painting blank or to arrange it for the watercolour. When the inking is finished, I erase my pencil marks and begin roughly to block in certain areas with watercolour paint. Of course the quality of the paper is very important for any watercolour painting. I like to use 140 lb. (300 g/m) cotton paper. In this case, the Strathmore paper that I was using wasn't cotton-based and I found that the sizing on the paper didn't allow the paint to be absorbed as effectively. So you need to be aware of the characteristics of your paper and be prepared to work with it.

Pendant que je dessine l'image avec l'encre, j'imagine aussi comment je vais ajouter des détails supplémentaires plus tard avec la peinture à l'aquarelle. Cela peut me conduire de laisser certaines sections de la peinture blanche ou de l'organiser pour l'aquarelle. Lorsque le dessine en encre est terminé, j'efface mes marques de crayon et commence grosso modo à bloquer certaines zones avec de la peinture à l'aquarelle. Bien sûr, la qualité du papier est très important pour toute la peinture à l'aquarelle. J'aime utiliser du papier de coton à 300 g/m. Dans ce cas, le papier Strathmore que j'utilisais n'était pas à base de coton et j'ai trouvé que le papier ne permet pas la peinture d'être absorbée aussi efficacement. Donc, vous devez être au courant des caractéristiques de votre papier et être prêt à travailler avec elle.



 

The final step is to paint in all the details and textures with the watercolour paint. I used indigo for a lot of these details (the background foliage, the shadow in the weeds, the reflections in the water). As a neutral blue, I felt that indigo gave some unity to the colour pattern. After the painting is 'finished', I may look at it a few days later and discover something that I'm uncomfortable with. Its part of the process of being creator and your own critic. Right now, for instance, the white on the leaves next to the heron appear to be too contrasty. I may touch things up a little in the future. While I usually follow the above approach with most of my watercolour paintings, I may experiment from time to time and try something different. For instance, I may decide not to use ink, or to apply wet-in-wet colour washes to most of the painting, or to do a monotone painting. Its all part of artistic expression, I guess.

La dernière étape consiste à peindre tous les détails et les textures avec la peinture à l'aquarelle. J'ai utilisé l'indigo pour beaucoup de ces détails (le feuillage d'arrière-plan, l'ombre dans les mauvaises herbes, les reflets dans l'eau). Comme un bleu neutre, j'ai senti que l'indigo a donné une certaine unité au motif de couleur. Après la peinture est «fini», je pourrais la regarder quelques jours plus tard et découvrir quelque chose que je suis inconfortables avec. C'est partie du processus d'être créateur et votre propre critique. À l'heure actuelle, par exemple, le blanc sur les feuilles à côté du héron semble être trop contrastée. Peut-être je toucherais ces détailles à l'avenir. Alors que je suivre généralement l'approche ci-dessus avec la plupart de mes aquarelles, je peux expérimenter de temps en temps et essayer quelque chose de différent. Par exemple, je peux décider de ne pas utiliser de l'encre, ou à appliquer des lavages par voie humide sur humide, ou de faire une peinture monotone. C'est partie de l'expression artistique, je suppose.

 

 

Arles hospital courtyard / La cour de la maison de santé à Arles


While on a trip to France, I was privileged to visit the former hospital in Arles where Vincent van Gogh resided in December 1888 and January 1889. A number of things struck me as I walked in its courtyard. One of them was to imagine where exactly Vincent stood when he painted Garden of the Hospital in Arles (below).

Lors d'un voyage en France, j'ai eu le privilège de visiter l'ancien hôpital à Arles Vincent van Gogh a résidé en décembre 1888 et janvier 1889. Un certain nombre de choses m'a frappé pendant que je marchais dans sa cour. L'un d'eux était d'imaginer où exactement Vincent était quand il a peint Le jardin de la maison de santé à Arles (ci-dessous).
 

When I returned home, I made this watercolour painting from photos that I took when in the courtyard. This, I imagined, was the spot where he visualized his painting.

À mon retour, j'ai fait cette peinture d'aquarelle à partir de photos que j'ai prises quand j'étais dans la cour. Cela, je l'imaginais, était l'endroit où il a visualisé sa peinture.

Like most of my watercolour paintings, I began by creating a detailed pencil sketch of the composition.

Comme la plupart de mes peintures à l'aquarelle, j'ai commencé par la création d'un dessin au crayon détaillée de la composition.


I then erased some of my lines and began to add colour.

J'ai alors effacé certains de mes lignes et commencé à ajouter de la couleur.


During the process, I would refer to various photos that I took of the courtyard and van Gogh's painting.

Pendant le processus, je vérifierais diverses photos que j'ai prises de la cour et la peinture de Van Gogh.


While it may have been better to compose this painting on site in the courtyard, I certainly would not have had enough time and may have lost my concentration due to all the detail in the garden. I think that my compromise still captured the sense of that courtyard while allowing me the comfort of my home to complete the work.

Bien qu'il aurait été mieux de composer ce tableau sur place dans la cour, je n'aurais certainement pas eu assez de temps de le faire, et peut-être j'aurais perdu ma concentration à cause de tous les détails dans le jardin. Je pense que mon compromis a capturé le sens de cette cour et m'a permis de compléter le travail dans le confort de ma maison.

East Block by the escarpment / Le Block de l'Est par l'escarpement

 


One spring day, I took a long walk from Gatineau to Ottawa across the Alexandra Bridge. Since it was such a beautiful day, I took a lot of photographs as references for possible paintings or sketches. I also brought along my sketchbook but didn't want to stop and sketch because of the wonderful weather which encouraged me to walk forever (or as long as my old legs would permit).
Later in the week, I decided to make a sketch of one of the scenes - the East Block of the parliamentary buildings as seen from across the Rideau Canal locks. For the fun of it, I've also included a step-by-step explanation of just how I created this image.

Une journée du printemps, j'ai pris une longue marche de Gatineau à Ottawa par le pont Alexandra. Comme il était un si beau jour, j'ai pris beaucoup de photos comme références pour des peintures possibles ou des croquis. J'ai aussi apporté mon carnet de croquis, mais je ne voulais pas arrêter et esquisser à cause du temps magnifique qui m'a encouragé à marcher pendant des kilomètres (ou aussi longtemps que mes vieilles jambes le permettent).
Plus tard dans la semaine, j'ai décidé de faire un croquis de l'une des scènes - l'Édifice de l'Est des édifices parlementaires comme vu à travers les écluses du canal Rideau. Pour le plaisir, j'ai aussi inclus une explication étape par étape, à quel point j'ai créé cette image.


It all starts with a sketch. I made an initial pencil sketch of the scene in my Fabriano Venezia sketchbook (90 lb. paper) and then used my fountain pen to ink the image (Noodler Ahab flex pen with Platinum Carbon black ink). I like the flex pen because it allows you to create either thin or thick lines (most modern fountain pens have fixed nib sizes). I also like the Platinum Carbon black ink because it is completely waterproof and allows you to paint over it without loosing the crispness of the line.

Tout commence par un croquis. J'ai fait un croquis de la scène au crayon dans mon carnet de croquis Fabriano Venezia (papier 90 lb), et puis j'ai utilisé mon stylo à l'encre pour créer l'image (stylo flexible Ahab de Noodlers à encre noire de Platinum Carbon). J'aime la plume flexible car il vous permet de créer aussi bien des lignes fines ou épaisses (les stylos-plumes les plus modernes ont des tailles de plume fixes). J'aime aussi l'encre Platinum Carbon parce qu'il est complètement imperméable et vous permet de peindre sans perdre la netteté de la ligne.

I then washed the sketch with some ultramarine paint. I was a little disappointed in the results although I should have been more aware. The paper isn't watercolour paper and couldn't absorb all the water - the paper warped and some of the paint even went through the paper. Despite wetting the paper before I applied the paint, the paper didn't absorb the paint in a uniform manner as would real watercolour paper. Again, this was my fault as I should have known better - but it did create an interesting pattern (which is part of the magic of watercolours - you never know exactly what may happen).

J'ai ensuite peinturé le croquis avec un peu de bleu outremer. J'ai été un peu déçu par les résultats, bien que j'aurais dû être plus conscient. Le papier n'est pas du papier aquarelle et ne pouvait pas absorber toute l'eau - le papier a gondolé et un peu de peinture est même allé à travers le papier. En dépit de mouiller le papier avant j'ai appliqué la peinture, le papier n'a pas pu absorber la peinture de manière uniforme comme du papier aquarelle. Encore une fois, c'était ma faute car je devrais avoir su mieux - mais il a créé un configuration intéressant (qui fait partie de la magie de l'aquarelle - on ne sait jamais exactement ce qui peut arriver).

I mixed some grey using burnt sienna and indigo, and applied it to the building and the trees in the foreground. As I was on the shady side of the buildings, I wanted to darken it but not too much at this stage.

J'ai mélangé un peu de gris en utilisant terre de sienne brûlée et de l'indigo, et je l'ai appliqué au bâtiment et les arbres. Comme j'étais sur le côté ombragé des bâtiments, je voulais les assombrir, mais pas trop à cet étape.







I then continued to darken the building using the same grey paint and creating a sort of brick pattern.

J'ai ensuite continué d'assombrir le bâtiment à l'aide de la peinture grise et de créer une sorte de motif de brique.
The old copper roof of the building takes on a unique colour as it ages. One section was darker than the other, so I used some indigo mixed with grey to paint it.

L'ancien toit de cuivre du bâtiment prend une couleur unique à mesure qu'il vieillit. Une section était plus sombre que l'autre, alors j'ai utilisé de l'indigo mêlé de gris pour le peindre.



In the final step (at the top of this post), I continued to darken portions of the building using the indigo/grey. I also used ultramarine and indigo in the foreground to darken parts of the escarpment that were in shade. I also darkened the tops of the trees to convey the impression of many small branches. The sketch took me roughly between three and four hours to do. It's a little more than I would normally spend on a sketch but less than I would spend on a painting. 
As a sketch, I'm happy with the results although at some point in the future I may want to do further work on this image. For instance, I may want to incorporate more detail on the building or, if I was making it into an oil painting, I may want to roughen up the foreground a little more. It's all fun!

Dans la dernière étape (en haut de ce post), j'ai continué à assombrir les parties de l'immeuble en utilisant l'indigo/gris. J'ai aussi utilisé l'outremer et indigo pour assombrir des parties de l'escarpement qui étaient dans l'ombre. J'ai aussi assombri les sommets des arbres pour donner l'impression d'un grand nombre de petites branches. Le croquis m'a pris entre trois et quatre heures à faire. C'est un peu plus que j'ai l'habitude de passer sur un croquis, mais moins que je passerais sur un tableau.
Comme une esquisse, je suis heureux avec les résultats, bien qu'à un certain moment dans l'avenir, peut-être je voudriez faire d'autres travaux sur cette image. Par exemple, je pourrais intégrer plus de détails sur le bâtiment ou, si je voulais faire une peinture à l'huile, je pourrais rendre plus rugueux le premier plan. C'est tous amusement!


Chute Rouge waterfront / Le bord d'eau à Chute Rouge

How is a watercolour painting made? Here's a series of images which illustrates how I painted a scene while on a recent visit to the Chute Rouge trail in Ste-Thérèse-de-la-Gatineau, Quebec. I started with a very simple sketch on a sheet of 140 lb watercolour paper.

Comment qu'on crée une aquarelle? Voici une série d'images qui demontre comment j'ai peinturé une scène à Chute Rouge à Ste-Thérèse-de-la-Gatineau (Québec) récemmement. J'ai commencé avec une simple esquisse sur une feuille de papier aquarelle de 140 livres (300 g/m).

 
Next, I applied a blue wash where the rocks are situated. I also applied some masking fluid to areas of the painting I wanted to protect from washes that I would be applying later.

Ensuite, j'ai appliqué un lavis bleu sur les roches et j'ai mis de liquide de masquage sur les sections du peinture que je voulais protéger contre des autres lavis plus tard.



 
Taking a large brush, I then applied water to all the area outside the blue and ensured that the paper was evenly wet. Using some Hooker's Green, I applied a fairly even layer to the painting. In some areas where there would be more shadow, I applied a thicker mixture of the paint to the wet surface.

Avec un grand pinceau, j'ai mis l'eau sur ma peinture en dehors les sections bleus et j'ai vérifié que le papier était uniformément trempe. Avec du vert Hooker, j'ai établi une couche prèsque uniforme sur le papier. Aux sections que je voulais plus foncés, j'ai appliqué une couche de peinture plus épaisse à la surface trempe.


 
When the paper was dry, I then applied some darker shades to the rocks and trees.

Quand le papier était sec, j'ai appliqué des tones plus foncés aux roches et aux arbres.



 
Again wetting the paper in the lake area, I further developed the dark green reflection in the water. In the upper left area, I introduced some Sap Green for cedar trees.

Encore après avoir trempé le papier dans les section du lac, j'ai développé les reflets verts foncés dans l'eau. Au haut gauche, j'ai ajouté du vert de vessie pour les cèdres.



 
To finish the painting, I used Indigo Blue around the rocks, and some dark Hooker's Green to created small waves in the water.

Pour completé la peinture, j'ai ajouté du blue indigo alentour les roches, et j'ai utilisé du vert de Hooker pour créé des vagues sur l'eau.




Voilà! I didn't count how long this painting took me to create since I don't usually complete my paintings in one session. Normally, I like to set my work-in-progress aside after an hour or two of work and reflect on what I need to develop or fix in the next stage. It may take me a few days or a few weeks to complete a composition. This gives me time to figure out what I want to do for my next picture!

Voilà! Je n'ai pas calculé combine de temps ça m'a pris pour produire cette peinture car mes compositions ne sont pas habituellement terminées dans une session. Je préfer de mettre mes peintures 'en voie de développement' à côté après un couple d'heures de travail et de réfléchir à ce que je dois développer ou corriger dans les étapes à venir. Une peinture peut me prendre quequels journées ou quelques semaines à compléter. Cette période me donne le temps de déterminer qu'est-ce que je veux faire ensuite comme peinture!

No comments: